Halloween skrekkfilmer: 70-talls skrekksamling på Criterion Channel

Hvilken Film Å Se?
 

Jeg har en gammel venn, en av mine eldste som jeg vokste opp med å se på film. Nærmere bestemt skrekkfilmer. Det var vår greie. Fra 1935-tallet Bruden av Frankenstein (på 60-tallet TV), til nye, banebrytende og kontroversielle filmer som Night of the Living Dead på vår lokale single-plex rundt 1970 (da vi begge bare var elleve år gamle, og knapt intellektuelt eller åndelig forberedt på å se de som levde døde kvele seg på slakteavfall), konsumerte vi så mye vi kunne. Vi kjøpte også jevnlig bladet Famous Monsters of Filmland . Vi var lett de mest populære barna i grunnskolen vår i Dumont, New Jersey.



Og vi var begge veldig oppgitte, som voksne, i den tilsynelatende skrekkvekkelsen som vi så (eller kanskje vi burde si vitne til) i begynnelsen, spesielt ja i Sag franchise. Venninnen min jobbet i en videobutikk - helt til slutten av videobutikker var noe - og som beboerens skrekkfan ved Tower Records-utsalget hans ble han plaget av yngre kunder som begeistret for Sag og andre bilder, og han ville kastet øynene.



Jeg likte skrekkfilmer, vil han si. Men jeg liker ikke disse. Mens vår egen lapp av filmisk himmel hadde plass til både old school-klassikerne og arverne til Romero (noe som absolutt ikke var tilfelle for folk eldre enn oss, som ville beklage den forferdelige volden til de nyere bildene), ting som Sag var der vi trakk linjen. Akkurat som rockesjangermavens ville avvise falsk metal, trodde vi at disse nye tingene var Faux Grindhouse.



Slipehuset. Det er, eller rettere sagt, en kino med noe mindre enn førstegangsholdning som inneholdt en tøff mat som Night of the Living Dead og skiften av filmer som fulgte. Ikke bare et miljøsted, men en sinnstilstand. En estetikk, hvis du vil. En elsket, som vi vet. av slike som Rodriguez, Tarantino, Roth og andre, men bare sjelden gjenerobret.

Hvis du har tilgang til kriteriekanalen, kan du nå gjennom den ’70s Horrorsamling , få en fin, heftig, ofte foruroligende dose ekte grindhouse skrekk.



Som til tross for den konvensjonelle visdom som også kaller det utnyttelse av kino, ikke alltid ble laget av molokdyrkende filmskapere som panderte til den laveste fellesnevneren. Regissører som David Cronenberg, Bill Gunn, Wes Craven, Larry Cohen og andre, alle representert i Criterion Channel's pent kuraterte 70-talls skrekkfestival, tok sitt lavbudsjettrett til å undersøke transgressive temaer og gjøre spisse, om til tider kamuflerte, uttalelse om ikke bare moderne samfunn, men den menneskelige tilstanden.

Disse filmskaperne var ikke en gang den mest grindy av 70-tallets grindhouse auteurs. Det er en hel klan av italienske regissører, mest fremtredende Lucio Fulci, som tok sadistisk kino til nye ekstremt uhyggelige ekstremer. Fordi 70-tallet også var bemerkelsesverdig for mange skrekkfilmer der ordet Cannibal var tydelig omtalt i tittelen. (Dario Argento, en annen maestro av italiensk skrekk, som gjorde den første uberørbar åndenød og andre krøllete storheter, sitter litt til høyre for de fleste av disse karakterene.) Disse elementene er ikke en del av Kriteriepakken. Noe som ikke vil si at bildene her mangler luridhet, eller dysthet. Like smarte som, for eksempel, Cronenbergs filmer Rabid og Rystelser er, de er fartsfylte og spekket med innvortes spenning. De er veldig ned og skitne bilder.



Det er i hevd og uklarhet at 70-talls skrekkfilmer fant sitt sterkeste grunnlag, uten tvil. Tobe Hooper’s 1974 Texas motorsag massakre ble laget billig, skutt på 16 mm film, i motsetning til den større sporvidde 35 som ble brukt til Hollywood-produkt, men den ble også gjort perfekt. Den fulle av utrolige skuddkomposisjoner og kamerabevegelser, og er så selvsikker at den skraler opp hysteriske skremmer uten å komme noenlunde så blodig som filmens tittel antyder. (Som ikke betyr at det ikke er nok av blod til slutt.)

Foto: Everett Collection

Men en annen komponent som ga Massakre mye av dens kraft var dens uklarhet som kom ut av ingensteds. Medvirkningen var sammensatt av ukjente skuespillere. Å bli fanget i historien deres (til tross for at disse post-hippie-barna på jakt etter en dam var alle slags ikke veldig sympatiske), ble du investert i skjebnen deres. Og du hadde ingen tidligere tilknytning til, eller tilknytning til dem for å lede deg inn på hva som ville skje. I 2003-remake av filmen var hovedskuespillerinnen Jessica Biel. Dette gjorde at TCM Sin originale tagline, hvem vil overleve og hva blir igjen av dem? slags akademisk.

Ser vi på de forskjellige nyinnspillingene av filmene i denne Criterion-samlingen - mer enn et halvt dusin av de 23 bildene har fått en omstart eller oppfølger av noe slag - er det klart at selv de bedre er rammet av en selvbevissthet som fungerer som en slags kreativ vingeklipping.

2019’s Rabid , skrevet og regissert av Jen Soska og Sylvia Soska, et talentfullt kanadisk filmlag, kaster seg ofte som en åpenbar hyllest ikke bare til Cronenbergs bilde fra 1977, men til mannen og hele hans sjangerarbeid. På et operasjonsrom, for eksempel, slår legene slående røde kapper akkurat som gynekologen tvillinger Mantle-brødrene gjorde i Cronenbergs 1988 Døde ringere .

I originalen Rabid , som kastet pornostjernen Marilyn Chambers i hovedrollen (og har nakenhet fra henne, om enn i et register som er veldig forskjellig fra det som var tilfelle i Bak den grønne døren ), hovedpersonen Rose er noe av en kryptering, om enn en attraktiv. Hun får en variant av tittelbetingelsen etter rekonstruktiv kirurgi etter en skjemmende motorsykkelulykke.

Cronenbergs syn på karakteren er nærmest klinisk løsrivelse. Soska-søstrene tar et perspektiv på kvinnelig tilhørighet og empati. Her er Rose en sjenert motedesigner foraktet og misbrukt av kolleger, inkludert sjef Gunther, hvis kleslinje heter Schadenfreude. (Han er spilt av Mackenzie Gray, som ser ut til å kanalisere Tommy Wiseau, ikke den største ideen i denne sammenhengen. Men han uttaler også en linje der filmskaperne ser ut til å fortelle litt om seg selv: Hvorfor fortsetter vi å gjenskape nye trender? )

Men når Rose (her inkarnert av Laura Vandervoort) er forvandlet, unngår Soskas hevn over wallflower-scenariet til fordel for en litt forseggjort etterforskning av Cronenberg-ideer som har funnet fotfeste i den virkelige verden, inkludert forestillingen om transhumanisme.

Det er interessant og engasjerende til et punkt, hvis det er litt for ofte på nesen i noen detaljer. (Å navngi den transhumanistiske kirurgen William S. Burroughs er nesten unnskyldelig, selv om folk har respektert den visjonære forfatteren ved å bruke håndtaket til hans signaturkarakter, Dr. Benway, flere ganger enn man kan telle.) Og selv om den til og med har en reprise av originalens beryktede mall-Santa gag, er det ingenting i filmen som gir noe som en kjevefall.

Og det er gni. Skjevheten og hensynsløsheten til Cronenbergs tidlige visjon (og dette gjelder også Cronenbergs 1975-tallet Rystelser , hvis opprørende premiss er Night of the Living Dead , bare hva-hvis-kåt-i stedet for-kannibal) kan fortsatt skrangle deg på måter dette bildet ikke gjør.

2019 Svart jul , den tredje filmen med den tittelen, som fulgte det kanadiske slasher-bildet fra 1974 (som er i Criterion-festen, og som IKKE er en nisse, er drapsmannen - du tenker kanskje heller på 1984-tallet Silent Night, Deadly Night , eller av den Joan Collins-episoden i 1972 Tales from the Crypt ) er også et utstillingsvindu for kvinnelig filmskapende talent. Det er regissert av Sophia Takal fra et manus hun skrev sammen med den kloge kritikeren April Wolfe. Seriemorderen-forfølgelsen av en college-campusmal blir tilpasset en feministisk følsomhet. Hovedpersonene, ledet av Imogen Poots, er sorority-søstre som kjemper mot seksuelle overgrep og superpatriarkalsk bror-kultur. Deres innenlandske dialog inneholder linjer som at jeg ikke finner divakoppen min.

Men mens Takal er suveren 2016-film Alltid skinne var en galvanisk utforskning av kvinnelig vennskap som ble giftig, Svart jul holder seg til positive arketyper. Det er ikke i og for seg en dårlig ting, men når det gjøres så arbeidskrevende som det er her, men det gir en historielinje hvis oppløsning er like forutsigbar som ethvert bedriftsdrevet produkt. Mens filmproduksjonen har en prisverdig følelse av fremdrift, gir det totale fraværet av tvetydighet en mindre enn resonant opplevelse. Selv om Cary Elwes Roddy MacDowell-imitasjon er litt bemerkelsesverdig.

Veterankritikeren Glenn Kenny anmelder nye utgivelser kl RogerEbert.com , New York Times, og som det passer noen i hans høye alder, magasinet AARP. Han blogger, veldig tidvis, kl Noen kom løpende og tweets, mest i spøk, kl @glenn__kenny .

Se 70-talls skrekksamling på Criterion Channel